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{{fusionar en|t=20150830044022|Interpretación historicista}}
La interpretación históricamente informada (también conocida como interpretación de época, interpretación auténtica o HIP) es un enfoque de la interpretación de música clásica, cuyo objetivo es ser fiel al enfoque, la manera y el estilo de la era musical en la que se concibió originalmente una obra. .
{{redirige|HIP|hip}}
[[Archivo:Johann Sebastian Bach.jpg|miniaturadeimagen|[[Johann Sebastian Bach]], uno de los compositores más investigados por la HIP (''Historically Informed Performance'').]]
Dentro del campo de la [[música clásica]], se conoce como '''versión históricamente informada''' (''HIP'' o ''historically informed performance'' en [[Lengua inglesa|inglés]]) al movimiento que busca [[Interpretación musical|interpretar]] las [[Obra musical|obras musicales]] de diferentes períodos históricos de manera similar a la forma en la que fueron concebidas. En particular, distintas agrupaciones de [[música coral]] e [[instrumental]] buscaron renovar mediante este enfoque la interpretación de [[música medieval]], del [[Música del renacimiento|Renacimiento]], del [[Barroco musical|Barroco]] y del [[Clasicismo musical|Clasicismo]].


== Origen ==
Se basa en dos aspectos clave: la aplicación de los aspectos estilísticos y técnicos de la interpretación, conocida como práctica escénica; y el uso de instrumentos de época que pueden ser reproducciones de instrumentos históricos que estaban en uso en el momento de la composición original, y que generalmente tienen timbre y temperamento[1] diferentes a los de sus equivalentes modernos. Se está investigando cada vez más un área de estudio adicional, la del cambio de las expectativas de los oyentes.[2]
Desde mediados del {{siglo|XX||s}}, a la ya usual revalorización de obras de antiguos compositores olvidados vino a sumarse el interés por lograr una versión informada mediante el estudio de [[facsímiles]], [[Tratado#Subgéneros|tratados de época]] y otros [[documentos históricos]]. Gracias a estas investigaciones, se reintrodujeron en la práctica musical académica [[instrumentos de época]] para ese entonces considerados anticuados, como el [[Clavecín|clave]], la [[flauta dulce]], la [[viola da gamba]] y el [[laúd]], así como versiones antiguas de los instrumentos actuales. En contraste con los [[Romanticismo musical|arreglos románticos]] de composiciones antiguas (como la famosa ''[[Aria para la cuerda de sol (Bach)|Aria para la cuerda de sol]]'', del tercer movimiento de la [[Suites para orquesta (Bach)#Suite para orquesta n.º 3 en re mayor, BWV 1068|Suite para orquesta n.º 3 de Johann Sebastian Bach]]), varios exponentes de la interpretación historicista buscaron reducir al mínimo el uso del [[vibrato]] y emplear [[Tempo|tempos más rápidos]].


Entre las agrupaciones más representativas del movimiento, cabe destacar el [[Concentus Musicus Wien]] (dirigido por [[Nikolaus Harnoncourt]]), el [[Leonhardt-Consort]] ([[Gustav Leonhardt]]), el [[Collegium Vocale Gent]] ([[Philippe Herreweghe]]), los [[English Baroque Soloists]] y el [[Coro Monteverdi|Monteverdi Choir]] ([[John Eliot Gardiner]]), la [[Academy of Ancient Music]] ([[Christopher Hogwood]]), [[The English Concert]] ([[Trevor Pinnock]]), el [[Taverner Consort, Choir and Players]] ([[Andrew Parrott]]) y la [[Amsterdam Baroque Orchestra & Choir]] ([[Ton Koopman]]).
Dado que no existen grabaciones sonoras de música antes de finales del siglo XIX, la interpretación históricamente informada se deriva en gran medida del análisis musicológico de los textos. Se utilizan tratados históricos, libros de tutores pedagógicos y críticas de conciertos, así como evidencia histórica adicional, para comprender mejor la práctica interpretativa de una época histórica. Las grabaciones existentes (cilindros, discos y reproducciones de rollos de piano) desde la década de 1890 en adelante han permitido a los estudiosos del romanticismo del siglo XIX obtener una comprensión excepcionalmente detallada de este estilo, aunque no sin importantes preguntas pendientes. En todas las épocas, los intérpretes de HIP normalmente utilizan fuentes originales (manuscritos o facsímiles), o ediciones académicas o textuales de una partitura musical como modelo básico, al tiempo que aplican una variedad de prácticas estilísticas contemporáneas, incluidas alteraciones rítmicas y ornamentaciones de muchos tipos. [1]


==Véase también==
La interpretación históricamente informada se desarrolló principalmente en varios países occidentales entre mediados y finales del siglo XX, irónicamente una respuesta modernista a la ruptura modernista con las tradiciones escénicas anteriores. Inicialmente preocupado por la interpretación de música medieval, renacentista y barroca, HIP ahora abarca música de las épocas clásica y romántica. HIP ha sido una parte crucial del movimiento de resurgimiento de la música antigua de los siglos XX y XXI, y ha comenzado a afectar el escenario teatral, por ejemplo en la producción de ópera barroca, donde también se utilizan enfoques históricamente informados de la actuación y la escenografía. 4][1]


* [[Interpretación historicista]]
Algunos críticos cuestionan la metodología del movimiento HIP, sosteniendo que su selección de prácticas y estéticas son producto del siglo XX y que, en última instancia, es imposible saber cómo sonaban las actuaciones de una época anterior. Obviamente, cuanto más antiguos son el estilo y el repertorio, mayor es la distancia cultural y mayor la posibilidad de malinterpretar la evidencia. Por esta razón, ahora se prefiere el término "históricamente informado" a "auténtico", ya que reconoce las limitaciones de la comprensión académica, en lugar de implicar una precisión absoluta en la recreación del estilo de interpretación histórica, o peor aún, un tono moralizante. ]
Primeros instrumentos
Ver también: Lista de instrumentos de época
Las colecciones históricas de instrumentos conservados ayudan a los investigadores (St Cecilia's Hall, Edimburgo)


== Enlaces externos ==
La elección de los instrumentos musicales es una parte importante del principio de interpretación históricamente informada. Los instrumentos musicales han evolucionado con el tiempo y los instrumentos que se utilizaron en períodos anteriores de la historia suelen ser bastante diferentes de sus equivalentes modernos. Muchos otros instrumentos han dejado de utilizarse y han sido reemplazados por herramientas más nuevas para crear música. Por ejemplo, antes de la aparición del violín moderno, otros instrumentos de cuerda frotada como el rabil o la viola eran de uso común. La existencia de instrumentos antiguos en colecciones de museos ha ayudado a los musicólogos a comprender cómo los diferentes diseños, afinaciones y tonos de los instrumentos pueden haber afectado la práctica interpretativa anterior.


{{commonscat|Historically informed performance}}
Además de ser una herramienta de investigación, los instrumentos históricos tienen un papel activo en la práctica de la interpretación históricamente informada. Los instrumentistas modernos que pretenden recrear un sonido histórico a menudo utilizan reproducciones modernas de instrumentos de época (y ocasionalmente instrumentos originales) con el argumento de que esto ofrecerá una interpretación musical que se considera históricamente fiel a la obra original, como lo habría hecho el compositor original. lo oí. Por ejemplo, un conjunto de música moderna que represente una interpretación de música de Johann Sebastian Bach puede tocar reproducciones de violines barrocos en lugar de instrumentos modernos en un intento de crear el sonido de una orquesta barroca del siglo XVII.


* ''[https://www.rtve.es/alacarta/audios/musica-antigua/musica-antigua-materia-prima-musica-rafael-marijuan-04-02-14/2375740/ La materia prima de la música]'': [[Archivo:Speaker Icon.svg|20px]] emisión del 4 de febr. del 2014 de ''Música antigua'', programa de [[Radio Clásica]].
Esto ha llevado al resurgimiento de instrumentos musicales que habían caído por completo en desuso, y a una reconsideración del papel y la estructura de los instrumentos que también se utilizan en la práctica actual.[¿investigación original?]


* ''[https://www.rtve.es/alacarta/audios/musica-antigua/musica-antigua-arboles-maderas-albogues-flautas-miguel-angel-nava-08-04-14/2496109/ Árboles, maderas, albogues y flautas... con Miguel Ángel Nava]'':[[Archivo:Speaker Icon.svg|20px]] emisión del 8 de abril de 2014 de ''Música antigua''.
Las orquestas y conjuntos que se destacan por el uso de instrumentos de época en sus actuaciones incluyen Taverner Consort and Players (dirigido por Andrew Parrott), la Academia de Música Antigua (Christopher Hogwood), el Concentus Musicus Wien (Nikolaus Harnoncourt),El Concierto Inglés (Trevor Pinnock), la Hanover Band (Roy Goodman), los Solistas Barrocos Ingleses (Sir John Eliot Gardiner), Musica Antiqua Köln (Reinhard Goebel), Orquesta y Coro Barrocos de Ámsterdam (Ton Koopman), Les Arts Florissants (William Christie), La Petite Bande (Sigiswald Kuijken), La Chapelle Royale (Philippe Herreweghe),[9][10][11][12] la Orquesta Australiana de Brandeburgo (Paul Dyer) y la Freiburger Barockorchester (Gottfried von der Goltz) .[13] A medida que el alcance de la interpretación históricamente informada se ha ampliado para abarcar las obras de la era romántica, el sonido específico de los instrumentos del siglo XIX ha sido cada vez más reconocido en el movimiento HIP, y han surgido orquestas de instrumentos de época como la Orchestre Révolutionnaire et Romantique de Gardiner. 14]
Clave
Clavicémbalo de Pascal Taskin, París (1780) (Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg)


* ''[https://www.rtve.es/alacarta/audios/musica-antigua/musica-antigua-reconstrucciones-02-04-19/5114379/ Reconstrucciones]'':[[Archivo:Speaker Icon.svg|20px]] emisión del 2 de abril de 2019 de ''Música antigua''.
Una variedad de instrumentos de teclado que alguna vez fueron obsoletos, como el clavicémbalo y el clavecín, han sido revividos, ya que tienen una importancia particular en la interpretación de la música antigua. Antes de la evolución de la orquesta sinfónica dirigida por un director, las orquestas renacentistas y barrocas eran comúnmente dirigidas desde el clavecín; el director dirigiría tocando el continuo, lo que proporcionaría una estructura armónica y estable sobre la cual los otros instrumentistas embellecerían sus partes. Muchas obras religiosas de la época hicieron un uso similar del órgano de tubos, a menudo en combinación con un clavicémbalo. Las actuaciones históricamente informadas con frecuencia utilizan la interpretación en conjunto dirigida por teclados.


* ''[https://www.rtve.es/alacarta/audios/musica-antigua/musica-antigua-re-construcciones-09-04-19/5131759/ Re-construcciones]'':[[Archivo:Speaker Icon.svg|20px]] emisión del 9 de abril de 2019 de ''Música antigua''.
Compositores como François Couperin, Domenico Scarlatti, Girolamo Frescobaldi y Johann Sebastian Bach escribieron para clave, clavicémbalo y órgano.


{{Control de autoridades}}
Entre los intérpretes modernos más destacados del clavecín se encuentran Scott Ross, Alan Curtis, William Christie, Christopher Hogwood, Robert Hill, Igor Kipnis, Ton Koopman, Wanda Landowska, Gustav Leonhardt, Trevor Pinnock, Skip Sempé, Andreas Staier, Colin Tilney y Christophe. Rousset.
[[Categoría:Técnicas de interpretación musical|Historicamente informada]]
Fortepiano
[[Categoría:Música antigua|Historicamente informada]]

[[Categoría:Historia de la música clásica|Version historicamente informada]]
Durante la segunda mitad del siglo XVIII, el clavecín fue reemplazado gradualmente por los primeros pianos. Cuando el clavicémbalo pasó de moda, muchos fueron destruidos; de hecho, el Conservatorio de París es conocido por haber utilizado clavecines como leña durante la Revolución Francesa y la época napoleónica. Aunque originalmente los nombres eran intercambiables, ahora usamos 'fortepiano' para indicar el estilo de piano anterior y más pequeño, y el 'pianoforte', más familiar, se usa para describir los instrumentos más grandes que se acercan a los diseños modernos de alrededor de 1830. En los siglos XX y XXI, el El fortepiano ha disfrutado de un resurgimiento como resultado de la tendencia a la interpretación históricamente informada, con las obras de Haydn, Mozart, Beethoven y Schubert ahora a menudo interpretadas en fortepiano. Cada vez más, los pianos de Pleyel, Érard, Streicher y otros de principios y mediados del siglo XIX se utilizan cada vez más para recrear el paisaje sonoro de compositores románticos como Chopin, Liszt y Brahms.

Muchos teclistas que se especializan en el clavecín también se especializan en el fortepiano y otros instrumentos de la época. Aunque algunos teclistas conocidos por su forma de tocar el fortepiano son Ronald Brautigam, Ingrid Haebler, Robert Levin, Malcolm Bilson y Tobias Koch.
viola
Una viola da gamba de Thomas Cole (c. 1680)
El sonido de un violonchelo moderno
Duración: 2 minutos y 24 segundos.2:24
Sarabanda de la Suite para violonchelo núm. 1 en sol mayor, BWV 1007, tocado en un violonchelo moderno
El sonido de una viola da gamba de la época barroca
Duración: 0 segundos.0:00
La Sonata en sol mayor de Carl Friedrich Abel tocada en una viola da gamba
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Una gran cantidad de música para viola, tanto para conjunto como para solista, fue escrita por compositores del Renacimiento y el Barroco, entre ellos Diego Ortiz, Claudio Monteverdi, William Byrd, William Lawes, Henry Purcell, Monsieur de Sainte-Colombe, J.S. Bach, Georg Philipp Telemann, Marin Marais, Antoine Forqueray y Carl Frederick Abel.

De mayor a menor, la familia de las violas se compone de:

violón (dos tamaños, un contrabajo una octava por debajo del bajo, y otro más pequeño un cuarto o quinto por encima, un gran bajo)
viola baja (aproximadamente del tamaño de un violonchelo)
viola tenor (aproximadamente del tamaño de una guitarra)
viol alto (un poco más pequeño que el tenor)
viola aguda o contrasante (aproximadamente del tamaño de una viola)
pardessus de viola (aproximadamente del tamaño de un violín)

Entre los intérpretes modernos más destacados de violas se encuentran Paolo Pandolfo, Wieland Kuijken, Jordi Savall, John Hsu y Vittorio Ghielmi. Hay muchas consortes de viola modernas.
Grabadora
Artículo principal: Lista de flautistas

Las flautas dulces de varios tamaños (contrabajo, bajo, tenor, alto, soprano, sopranino y la aún más pequeña kleine sopranino o garklein) a menudo se tocan hoy en día en conjuntos de tamaños mixtos. Handel y Telemann, entre otros, escribieron obras solistas para la flauta dulce. Arnold Dolmetsch hizo mucho para revivir la flauta dulce como un instrumento de concierto serio, reconstruyendo una "consorte de recorders (contrabajo, agudos, tenor y bajo) todos en tono bajo y basados en originales históricos".[20]

A menudo, los flautistas comienzan con flautistas y luego pasan a centrarse en la flautista. Algunos flautistas famosos incluyen a Frans Brüggen (también un renombrado director del movimiento instrumental de la época), Michala Petri, Ashley Solomon y Giovanni Antonini. Handel y Telemann también eran flautistas entusiastas y hábiles (como se mencionó anteriormente), el primero de los cuales compuso varios conjuntos de sonatas para flauta dulce y bajo continuo, aunque están dominadas por las transcripciones para flauta realizadas a mediados del siglo XX.
Cantando
Contratenor Philippe Jaroussky, acompañado por Christina Pluhar en 2011 (tiorba)

Al igual que con la técnica instrumental, el enfoque de la práctica interpretativa históricamente informada para cantantes ha sido moldeado por la investigación musicológica y el debate académico. En particular, hubo un debate sobre el uso de la técnica del vibrato en el apogeo del resurgimiento de la música antigua, y muchos defensores del HIP pretendían eliminar el vibrato en favor del sonido "puro" del canto de tonos directos. La diferencia de estilo puede demostrarse por el sonido de un niño agudo en contraste con el sonido de un cantante de gran ópera como María Callas.[21]

Ciertas técnicas vocales históricas han ganado popularidad, como el trillo, una repetición similar a un trémolo de una sola nota que se utilizó para efectos ornamentales a principios del Barroco. Sin embargo, la comprensión académica de estos recursos expresivos es a menudo subjetiva, ya que muchas técnicas vocales discutidas por los tratadistas de los siglos XVII y XVIII tienen diferentes significados, según el autor. A pesar de la moda del tono directo, muchos cantantes destacados de música antigua utilizan una forma sutil y suave de vibrato para añadir expresión a su interpretación.

Algunos de los cantantes que han contribuido al movimiento de interpretación históricamente informado son Emma Kirkby, Max van Egmond, Julianne Baird, Nigel Rogers y David Thomas.

El resurgimiento del interés por la música antigua, particularmente por la polifonía sacra del Renacimiento y la ópera barroca, ha impulsado un resurgimiento de la voz del contratenor. Los cantantes masculinos de voz alta suelen ser elegidos con preferencia a las contraltos femeninas en las producciones de ópera HIP, en parte como sustitutos de los cantantes castrados. Se considera que Alfred Deller fue un pionero del renacimiento moderno del canto de contratenor. Entre los principales artistas contemporáneos se encuentran James Bowman, David Daniels, Derek Lee Ragin, Andreas Scholl, Michael Chance, Jakub Józef Orliński, Daniel Taylor, Brian Asawa, Yoshikazu Mera y Philippe Jaroussky.
Disposición

La práctica habitual relativa a la disposición de un grupo de intérpretes, por ejemplo en un coro o una orquesta, ha cambiado con el tiempo. La determinación de una disposición históricamente apropiada de cantantes e instrumentos en un escenario puede basarse en la investigación histórica. Además de la evidencia documental, los musicólogos también pueden recurrir a la evidencia iconográfica (pinturas y dibujos contemporáneos de músicos) como fuente principal de información histórica. Las fuentes pictóricas pueden revelar diversas prácticas como el tamaño de un conjunto; la posición de varios tipos de instrumentos; su posición en relación con un coro o instrumento de teclado; el cargo o ausencia de un conductor; si los artistas están sentados o de pie; y el espacio de actuación (como una sala de conciertos, una cámara palaciega, una casa doméstica, una iglesia o al aire libre, etc.).[1] El teórico alemán Johann Mattheson, en un tratado de 1739, afirma que los cantantes deben estar delante de los instrumentistas.[24]

Se documentan tres diseños principales:[cita requerida]

Círculo (Renacimiento)
Coro delante de los instrumentos (siglos XVII-XIX)
Cantantes e instrumentos uno al lado del otro en el coro.

Galería

El compositor renacentista Orlando de Lassus dirigiendo un conjunto de cámara
El compositor renacentista Orlando de Lassus dirigiendo un conjunto de cámara
Un boceto de 1837 de la disposición de un coro y una orquesta.
Un boceto de 1837 de la disposición de un coro y una orquesta.
Un dibujo de un concierto de 1890 en Munich, Alemania.
Un dibujo de un concierto de 1890 en Munich, Alemania.
Un coro con instrumentistas, en un diseño histórico.
Un coro con instrumentistas, en un diseño histórico.

Recuperar prácticas tempranas de desempeño
Reimpresión de la 1ª edición de L'Orfeo de Monteverdi (1609); Los musicólogos recurren a partituras autógrafas o ediciones anteriores para interpretar la práctica interpretativa.
Las imágenes históricas, como esta ilustración gallega de laudistas del siglo XIII, pueden informar la práctica interpretativa moderna, pero deben interpretarse con precaución.
Interpretación de notación musical.

Algunos elementos difíciles y familiares son los siguientes:

Los primeros compositores a menudo escribían utilizando los mismos símbolos que hoy, pero con un significado diferente, a menudo dependiente del contexto. Por ejemplo, lo que se escribe como apoyatura a menudo debe ser más largo o más corto que la longitud anotada,[25] e incluso en partituras tan tardías como el siglo XIX laHay desacuerdo sobre el significado (dinámico y/o agógico) de las horquillas.[26]
La notación puede ser parcial. Por ejemplo, las duraciones de las notas pueden omitirse por completo, como en preludios sin compás, piezas escritas sin indicaciones de ritmo o métrica. Incluso cuando la notación es completa, generalmente se requieren cambios no anotados, como la configuración rítmica de los pasajes, pausas entre secciones o arpegios adicionales de acordes. Los cortes y las repeticiones eran comunes.
La música puede escribirse utilizando notaciones alternativas no modernas, como la tablatura. Algunas notaciones de tablatura están sólo parcialmente decodificadas, como la notación[27] en el manuscrito de arpa[28] de Robert ap Huw.
Por lo general, no se puede interpretar que el tono de referencia de la música anterior designe el mismo tono que se utiliza hoy en día.
Se utilizan varios sistemas de afinación (temperamentos). Los compositores siempre asumen que el intérprete elegirá el temperamento y nunca lo indican en la partitura.
En la mayor parte de la música de conjunto hasta el Barroco temprano, los instrumentos musicales que se utilizarán no se indican en la partitura y deben ser elegidos parcial o totalmente por los intérpretes. Un ejemplo bien discutido se puede encontrar en L'Orfeo de Monteverdi, donde las indicaciones sobre qué instrumentos utilizar son parciales y se limitan sólo a secciones críticas.[30]
Los problemas de pronunciación, que influyen en los acentos musicales, se trasladan al latín eclesiástico, lengua en la que se escribió una gran cantidad de música vocal antigua. La razón es que el latín se pronunciaba habitualmente utilizando los sonidos y patrones del habla de la lengua vernácula local.

musica mecanica

Se puede obtener cierta información sobre cómo sonaba la música en el pasado a partir de instrumentos mecánicos contemporáneos. Por ejemplo, el Museo holandés Speelklok posee un órgano mecánico del siglo XVIII cuyo programa musical fue compuesto y supervisado por Joseph Haydn.[31]
Afinación y tono

Hasta la era moderna, se han utilizado diferentes referencias de afinación en diferentes lugares. El oboísta barroco Bruce Haynes ha investigado exhaustivamente los instrumentos de viento supervivientes e incluso documentó un caso en el que violinistas tuvieron que volver a afinar una tercera menor para tocar en iglesias vecinas.
Evidencia iconográfica

La investigación de los musicólogos a menudo se superpone con el trabajo de los historiadores del arte; Al examinar pinturas y dibujos de músicos contemporáneos de una época musical particular, los académicos pueden inferir detalles sobre la práctica interpretativa del momento. Además de mostrar la disposición de una orquesta o conjunto, una obra de arte puede revelar detalles sobre las técnicas de ejecución contemporáneas, por ejemplo, la manera de sostener un arco o la embocadura de un músico de viento. Sin embargo, así como un historiador del arte debe evaluar una obra de arte, un estudioso de la musicología también debe evaluar la evidencia musical de una pintura o ilustración en su contexto histórico, tomando en consideración las posibles motivaciones culturales y políticas del artista y teniendo en cuenta las posibilidades artísticas. licencia. Una imagen histórica de los músicos puede presentar un relato idealizado o incluso ficticio de los instrumentos musicales, y existe el mismo riesgo de que dé lugar a una interpretación históricamente mal informada.[1]
Asuntos
Muchos académicos e intérpretes como John Eliot Gardiner han cuestionado la terminología de "actuación auténtica".

Las opiniones sobre cómo las motivaciones artísticas y académicas deberían traducirse en la interpretación musical varían.[33]

Aunque defiende la necesidad de intentar comprender las intenciones de un compositor en su contexto histórico, Ralph Kirkpatrick destaca el riesgo de utilizar el exoterismo histórico para ocultar la incompetencia técnica: "con demasiada frecuencia, la autenticidad histórica puede utilizarse como medio de escape de cualquier observancia potencialmente inquietante de normas estéticas". "La abdicación de los valores estéticos y de las responsabilidades artísticas puede conferir una cierta ilusión de sencillez a lo que el paso de la historia nos ha presentado, blanqueado como huesos en las arenas del tiempo". [34][página necesaria]

La estudiosa de la música antigua Beverly Jerold ha cuestionado la técnica de cuerdas de los músicos históricamente informados, citando relatos de asistentes a conciertos de la época barroca que describen casi la práctica opuesta. Se han dirigido críticas similares a las prácticas de vocalistas históricamente informados.

Algunos defensores del resurgimiento de la música antigua se han distanciado de la terminología de "interpretación auténtica". El director John Eliot Gardiner ha expresado la opinión de que el término puede ser "engañoso" y ha declarado: "Mi entusiasmo por los instrumentos de época no es anticuario ni busca una autenticidad espuria e inalcanzable, sino simplemente una alternativa refrescante al estándar". , cualidades monocromáticas de la orquesta sinfónica."[36][37]

Daniel Leech-Wilkinson admite que gran parte de la práctica del HIP se basa en la invención: "La investigación histórica puede proporcionarnos instrumentos y, a veces, incluso información bastante detallada sobre cómo utilizarlos; pero la brecha entre talesLa decencia y la buena interpretación siguen siendo tan grandes que sólo pueden superarse con una gran cantidad de talento musical e invención. Es fácil olvidar exactamente cuánto se requiere, precisamente porque el ejercicio de la invención musical es tan automático para el intérprete". [38] Leech-Wilkinson concluye que los estilos de interpretación en la música antigua "tienen tanto que ver con el gusto actual como con la precisión reproducción." [39] Más recientemente, Andrew Snedden ha sugerido que las reconstrucciones de HIP están en un terreno más firme cuando se abordan en el contexto de una exégesis cultural de la época, examinando no sólo cómo jugaron sino también por qué jugaron como lo hicieron y qué significado cultural está incrustado en la música.

En la conclusión de su estudio sobre grabaciones orquestales de principios del siglo XX, Robert Philip afirma que el concepto de "lo que ahora suena de buen gusto probablemente sonó de buen gusto en períodos anteriores" es una suposición fundamental pero errónea detrás de gran parte del movimiento histórico de la interpretación. Después de pasar todo el libro examinando el ritmo, el vibrato y el portamento, Philips afirma que la falacia de asumir el buen gusto hace que los partidarios de la interpretación histórica seleccionen al azar lo que consideran aceptable e ignoren la evidencia de una práctica interpretativa que va en contra del gusto moderno. ]
Recepción

En su libro The Aesthetics of Music, el filósofo británico Roger Scruton escribió que "el efecto [de HIP] ha sido con frecuencia envolver el pasado en un fajo de erudición falsa, elevar la musicología por encima de la música y confinar a Bach y sus contemporáneos La sensación de cansancio que inducen tantas interpretaciones "auténticas" se puede comparar con la atmósfera de un museo moderno... [Las obras de los primeros compositores] están dispuestas detrás del cristal de la autenticidad, mirando sombríamente desde el otro lado de una pantalla infranqueable".[41]

Varios académicos ven el movimiento HIP esencialmente como una invención del siglo XX. Al escribir sobre la revista Early Music (una de las principales publicaciones periódicas sobre interpretación históricamente informada), Peter Hill señaló: "Todos los artículos de Early Music señalaron de diversas maneras el defecto (quizás fatal) en la posición de 'autenticidad'. Esto es que el intento comprender el pasado en términos del pasado es, paradójicamente, un fenómeno absolutamente contemporáneo."[42]

Una de las voces más escépticas del movimiento interpretativo históricamente informado ha sido Richard Taruskin. Su tesis es que la práctica de desenterrar prácticas supuestamente históricamente informadas es en realidad una práctica del siglo XX influenciada por el modernismo y, en última instancia, nunca podremos saber cómo sonaba la música o cómo se tocaba en siglos anteriores. "Comencé a ver que lo que estábamos acostumbrados a considerar representaciones históricamente auténticas no representaba ningún prototipo histórico determinable ni ningún resurgimiento coherente de prácticas contemporáneas con los repertorios que abordaban. Más bien, encarnaban toda una lista de deseos de los modernos (istas) valores, validados tanto en la academia como en el mercado mediante una lectura ecléctica y oportunista de la evidencia histórica". "En realidad escogen y eligen entre los productos de la historia. Y lo hacen de una manera que dice más sobre los valores de finales del siglo XX que sobre los de cualquier época anterior".

En su libro The Imaginary Museum of Musical Works: An Essay in the Philosophy of Music, Lydia Goehr analiza los objetivos y falacias tanto de los defensores como de los críticos del movimiento HIP.[44] Afirma que el propio movimiento HIP surgió durante la segunda mitad del siglo XIX como reacción a la forma en que las técnicas modernas se imponían a la música de épocas anteriores. Así, los intérpretes estaban preocupados por lograr una manera "auténtica" de interpretar música, un ideal que conlleva implicaciones para todos aquellos involucrados con la música. Ella resume los argumentos de finales del siglo XX en dos puntos de vista, logrando la fidelidad a las condiciones de interpretación o la fidelidad a la obra musical.[44]

Ella resume sucintamente los argumentos de los críticos (por ejemplo, anacrónicos, atribuyendo selectivamente ideas actuales de interpretación a la música antigua), pero luego concluye que lo que el movimiento HIP tiene para ofrecer es una manera diferente de mirar y escuchar la música: "Mantiene nuestra Nos mantiene abiertos a la posibilidad de producir música de nuevas maneras bajo la regulación de nuevos ideales, nos mantiene abiertos a la naturaleza inherentemente crítica y revisable de nuestros conceptos regulativos y, lo que es más importante, nos ayuda a superar ese deseo profundamente arraigado de mantener la la más peligrosa de las creencias, que en algún momento hemos acertado en nuestras prácticas."[45]

Lo que está claro es que un enfoque estrictamente musicológico de la reconstrucción estilística es a la vez modernista en cultura y poco auténtico como representación viva, un enfoque denominado "teatro mortal" por Peter Brook.[46]
Ver también

Autenticidad en el arte
Campo de concierto
Renacimiento de la música antiguayo
Lista de conjuntos de música antigua
Una voz por parte
Sección de cuerdas
Shakespeare en pronunciación original

Referencias

Lawson y Stowell 1999, pág. 17-18.
Bonos, Mark Evan (2006). La música como pensamiento. Princeton: Prensa de la Universidad de Princeton. ISBN 978-0-691-12659-3.
Taruskin, Richard (1995). Texto y acto: ensayos sobre música e interpretación. Oxford: Prensa de la Universidad de Oxford.
Cazador, María (2014). "27. Desempeño históricamente informado". En Greenwald, Helen M. (ed.). El manual de ópera de Oxford. Prensa de la Universidad de Oxford. págs. 606–8. ISBN 978-0-19-971484-1. Archivado desde el original el 20 de agosto de 2023. Consultado el 3 de marzo de 2018.
Fabián, Dorottya (1 de diciembre de 2001). "El significado de la autenticidad y el movimiento de la música antigua: una revisión histórica". Consultado el 3 de marzo de 2018.
Silvela, Zdenko (2001). Una nueva historia de la interpretación del violín: el vibrato y el descubrimiento revolucionario de Lambert Massart. Editores universales. ISBN 978-1-58112-667-9. Consultado el 5 de marzo de 2018.
Lawson y Stowell 1999, pág. 18-19.
Schippers, Huib (2009). Frente a la música: dando forma a la educación musical desde una perspectiva global. Prensa de la Universidad de Oxford. ISBN 978-0-19-970193-3. Archivado desde el original el 20 de agosto de 2023. Consultado el 5 de marzo de 2018.
Wilson, Nick (2013). El arte del reencantamiento: hacer música antigua en la era moderna. OUP EE.UU. pag. 76. ISBN 978-0-19-993993-0. Archivado desde el original el 20 de agosto de 2023. Consultado el 2 de marzo de 2018.
Waleson, Heidi (7 de septiembre de 1996). "Superdirector: John Eliot Gardiner". Cartelera. Nielsen Business Media, Inc. Consultado el 6 de marzo de 2018.
Caballeros, F. (1 de febrero de 2013). "Un adiós a Musica Antiqua Koln". Música antigua. 41 (1): 173-174. doi:10.1093/em/cas166. ISSN 0306-1078.
"Philippe Herreweghe". www.concertgebouworkest.nl. Orquesta Real del Concertgebouw. Archivado desde el original el 15 de mayo de 2021. Consultado el 6 de marzo de 2018.
Zwartz, Barney (12 de marzo de 2020). "Friburgo ofrece una rara oportunidad de escuchar madurar el genio de Beethoven". El Sydney Morning Herald. Archivado desde el original el 24 de mayo de 2021. Consultado el 30 de abril de 2020.
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"Clavecín - Orquesta del Siglo de las Luces". Orquesta del Siglo de las Luces. Archivado desde el original el 6 de marzo de 2018. Consultado el 6 de marzo de 2018.
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Bibliografía

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enlaces externos
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Una guía de instrumentos medievales y renacentistas.
Intérpretes y grupos de instrumentos de época incluidos en The Open Music Project
Dilemas al intentar presentar obras de arte antiguas 'auténticamente'
Inside Early Music: Conversations with Performers (libro de Bernard Sherman; Oxford University Press, 1997)
Por qué nunca has escuchado realmente la Sonata "Moonlight" (la revista Slate cubre las diferencias entre las interpretaciones de piano auténticas y modernas)

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«HIP» redirige aquí. Para otras acepciones, véase hip.
Johann Sebastian Bach, uno de los compositores más investigados por la HIP (Historically Informed Performance).

Dentro del campo de la música clásica, se conoce como versión históricamente informada (HIP o historically informed performance en inglés) al movimiento que busca interpretar las obras musicales de diferentes períodos históricos de manera similar a la forma en la que fueron concebidas. En particular, distintas agrupaciones de música coral e instrumental buscaron renovar mediante este enfoque la interpretación de música medieval, del Renacimiento, del Barroco y del Clasicismo.

Origen

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Desde mediados del siglo XX, a la ya usual revalorización de obras de antiguos compositores olvidados vino a sumarse el interés por lograr una versión informada mediante el estudio de facsímiles, tratados de época y otros documentos históricos. Gracias a estas investigaciones, se reintrodujeron en la práctica musical académica instrumentos de época para ese entonces considerados anticuados, como el clave, la flauta dulce, la viola da gamba y el laúd, así como versiones antiguas de los instrumentos actuales. En contraste con los arreglos románticos de composiciones antiguas (como la famosa Aria para la cuerda de sol, del tercer movimiento de la Suite para orquesta n.º 3 de Johann Sebastian Bach), varios exponentes de la interpretación historicista buscaron reducir al mínimo el uso del vibrato y emplear tempos más rápidos.

Entre las agrupaciones más representativas del movimiento, cabe destacar el Concentus Musicus Wien (dirigido por Nikolaus Harnoncourt), el Leonhardt-Consort (Gustav Leonhardt), el Collegium Vocale Gent (Philippe Herreweghe), los English Baroque Soloists y el Monteverdi Choir (John Eliot Gardiner), la Academy of Ancient Music (Christopher Hogwood), The English Concert (Trevor Pinnock), el Taverner Consort, Choir and Players (Andrew Parrott) y la Amsterdam Baroque Orchestra & Choir (Ton Koopman).

Véase también

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Enlaces externos

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